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FELICES FIESTAS

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Nuevos platos "silenciosos" para la batería 

Explorando los Platos de Batería Silenciosos: Ritmo sin Ruido

La batería es un instrumento poderoso, pero su ruido puede ser un problema en entornos compartidos. Aquí es donde entran en juego los platos de batería silenciosos. Estos platillos, diseñados para reducir el volumen, permiten a los bateristas practicar en silencio mientras mantienen la sensación de un platillo tradicional.

Características Principales:

  1. Reducción de Volumen: Fabricados con materiales que absorben el sonido, ofrecen una opción más silenciosa para la práctica.
  2. Variedad de Modelos: Disponibles en diferentes formas y tamaños para imitar platillos crash, ride, hi-hat, entre otros.
  3. Aplicaciones Versátiles: Ideales para la práctica en casa y estudios de grabación, permiten a los bateristas tocar sin preocupaciones de ruido.
  4. Desarrollo Tecnológico: Algunos modelos integran sensores para una conexión más fluida con software de grabación, ampliando las posibilidades sonoras.

Consideraciones:

Aunque ofrecen soluciones prácticas, algunos músicos señalan diferencias en la sensación y rebote en comparación con platillos tradicionales.

Conclusión:

Los platos de batería silenciosos se presentan como una herramienta valiosa para bateristas que buscan practicar sin restricciones de sonido, explorar nuevas posibilidades y adaptarse a entornos variados, consolidándose como una opción esencial en la evolución musical contemporánea.

PLAY SEVILLA SOLO OFRECE CALIDAD.

En Play Sevilla podrás tocar instrumentos profesionales, porque no escatimamos en nada para que puedas disfrutar de una experiencia única en tus clases. Guitarras eléctricas de todos los módeles, bajos eléctricos de 4 y 5 cuerdas, freetlees, pianos acústicos, eléctricos, sintetizadores de todo tipo, baterías, amplificadores de transistores, a válvulas, micrófonos profesionales....Todos nuestros instrumentos son de alta calidad y absolutamente todos están a disposición de nuestros alumnos. Por eso Play Sevilla es la mejor escuela de Música. ¡¡Y no solo lo decimos nosotros!!
¡¡Ven y compruébalo tu mismo!!

SUSTITUIRÁ LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL A LOS MÚSICOS

El Impacto de la Inteligencia Artificial en la Industria Discográfica: Transformando la Creación y Distribución de la Música

La industria discográfica ha experimentado una transformación significativa en las últimas décadas, y la inteligencia artificial (IA) ha emergido como una fuerza impulsora que está remodelando la forma en que se crea, produce y distribuye la música. Desde el proceso creativo hasta la toma de decisiones empresariales, la IA ha dejado una marca indeleble en la industria musical. A continuación, exploramos cómo la inteligencia artificial está influyendo en la industria discográfica.

1. Creación de Música con IA: Un Nuevo Paradigma Creativo

La IA ha llegado a desafiar las nociones tradicionales de creación musical al ofrecer herramientas y algoritmos capaces de componer melodías, generar arreglos y producir pistas completas. Plataformas como AIVA, Suno, Amper Music y IBM Watson Beat utilizan algoritmos de aprendizaje automático para analizar patrones musicales y crear música original en función de parámetros establecidos por los usuarios. Esto no reemplaza la creatividad humana, sino que se convierte en una herramienta colaborativa que inspira y amplía las posibilidades creativas.

2. Personalización y Recomendación de Contenido: Experiencias Musicales a Medida

Los algoritmos de IA impulsan los servicios de transmisión de música al personalizar las recomendaciones para cada usuario. Plataformas como Spotify y Apple Music utilizan sistemas de recomendación basados en aprendizaje automático para analizar el historial de escuchas y las preferencias individuales. Esto no solo mejora la experiencia del usuario, sino que también permite a los artistas llegar a audiencias específicas con mayor precisión, creando oportunidades para músicos emergentes y géneros menos conocidos.

3. Análisis de Datos para la Toma de Decisiones Empresariales

La IA se ha vuelto esencial en la toma de decisiones estratégicas en la industria discográfica. Mediante el análisis de grandes conjuntos de datos, las compañías pueden identificar tendencias, prever el rendimiento potencial de una canción o un álbum, y optimizar estrategias de marketing. Además, la IA ayuda a gestionar eficientemente los derechos de autor y regalías, reduciendo los problemas asociados con la piratería y la distribución no autorizada.

4. Mejora de la Experiencia del Consumidor en Eventos en Vivo

La IA también se ha infiltrado en la experiencia de los eventos en vivo. Desde la venta de boletos hasta la producción del espectáculo, los algoritmos de aprendizaje automático ayudan a predecir la demanda de entradas, ajustar los precios de manera dinámica y mejorar la seguridad en los eventos. Además, la IA puede personalizar la experiencia del espectador durante un concierto, como proporcionar recomendaciones de lugares, servicios de concesionarios y accesos exclusivos.

5. Transformación en la Producción y Mezcla de Audio

La inteligencia artificial ha revolucionado la producción musical al ofrecer herramientas avanzadas de procesamiento de audio. Plataformas como LANDR y iZotope utilizan algoritmos para analizar y mejorar la calidad del sonido, realizar la mezcla y masterización automáticamente, ahorrando tiempo y recursos a los productores. Esto democratiza el acceso a la producción de alta calidad, permitiendo a artistas independientes competir en igualdad de condiciones con grandes sellos discográficos.

Conclusiones: Un Futuro Musical Impulsado por la Inteligencia Artificial

La convergencia entre la inteligencia artificial y la industria discográfica abre un abanico de posibilidades emocionantes. Aunque persisten desafíos éticos y creativos, la IA está desempeñando un papel integral en la evolución de la música, desde su creación hasta su distribución y consumo. La colaboración entre la creatividad humana y la potencia analítica de la inteligencia artificial promete un futuro musical vibrante y diverso.

10 canciones de terror para tocar en Halloween


  1. "Thriller" - Michael Jackson
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  2. "This Is Halloween" - Marilyn Manson (de la banda sonora de "The Nightmare Before Christmas")
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  3. "Monster Mash" - Bobby "Boris" Pickett & The Crypt-Kickers
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  4. "Ghostbusters" - Ray Parker Jr.
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  5. "Superstition" - Stevie Wonder
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  6. "Zombie" - The Cranberries
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  7. "Dragula" - Rob Zombie
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  8. "Black Magic Woman" - Santana
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  9. "Sympathy for the Devil" - The Rolling Stones
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  10. "Highway to Hell" - AC/DC
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¿Cómo elegir la caja para mi batería?

La batería es un elemento fundamental en muchas producciones musicales. Ya sea en el rock, el jazz, la música electrónica o cualquier otro género, la elección de una caja adecuada para grabar baterías puede marcar una gran diferencia en la calidad del sonido final. Si eres un ingeniero de sonido, productor musical o baterista interesado en grabar tus propias pistas de batería, este artículo te guiará a través de los aspectos clave a considerar al seleccionar la caja perfecta para tu proyecto.

1. Define tus Objetivos Sonoros

Antes de empezar a buscar una caja, es fundamental tener claro el sonido que buscas. ¿Quieres un sonido brillante y agudo, uno cálido y profundo, o algo intermedio? ¿Deseas un sonido más seco o más resonante? Comprender tus objetivos sonoros te ayudará a enfocar tu búsqueda en el tipo de caja que se adapte a tus necesidades.

2. Material de la Caja

El material de la caja es un factor crítico en la determinación de su sonido. Los materiales más comunes para las cajas de batería son:

  • Madera: Las cajas de madera suelen proporcionar un sonido cálido y rico. Maderas como el arce, el abedul y el nogal son opciones populares. Cada tipo de madera tiene sus propias características sonoras únicas.
  • Metal: Las cajas de metal, como el acero y el aluminio, tienden a producir un sonido más brillante y crujiente. Son ideales para géneros de música más pesada como el rock y el metal.
  • Acrílico: Las cajas acrílicas ofrecen un sonido nítido y potente, con un sustain largo. Son una elección popular en la música rock y experimental.
  • Híbridas: Algunas cajas combinan materiales, como madera y metal, para obtener un sonido único y versátil.

3. Tamaño y Profundidad

El tamaño y la profundidad de la caja también influyen en su sonido. Las cajas más profundas suelen proporcionar un sonido más cálido y con más cuerpo, mientras que las cajas más pequeñas tienden a ser más agudas y enfocadas. Elige el tamaño y la profundidad de acuerdo a tus preferencias sonoras y las demandas de tu música.

4. Marcas y Modelos

Hay muchas marcas de renombre en el mundo de las cajas de batería, como Pearl, Ludwig, DW, Yamaha, Gretsch, entre otras. Investiga y prueba diferentes modelos para encontrar la caja que se ajuste a tus necesidades y presupuesto. Recuerda que no siempre es necesario invertir en la caja más cara para obtener un buen sonido.

5. Afinación y Mantenimiento

La afinación de la caja es esencial para lograr el sonido deseado. Aprende a afinarla adecuadamente o trabaja con un baterista experimentado o un ingeniero de sonido que pueda hacerlo por ti. Además, cuidar y mantener tu caja es crucial para preservar su calidad sonora a lo largo del tiempo.

6. Micrófonos y Técnicas de Grabación

La elección de la caja es solo una parte del proceso de grabación de batería. La forma en que micrófonos y técnicas de grabación se utilizan también afectarán el sonido. Experimenta con diferentes configuraciones y posiciones de micrófonos para obtener el mejor sonido posible.

Conclusión

Elegir la caja perfecta para grabar baterías es una decisión importante que impactará en la calidad y el carácter de tu música. Asegúrate de entender tus objetivos sonoros, elige el material y el tamaño adecuados, y mantén la caja en buen estado. Con la combinación adecuada de elementos y técnicas de grabación, podrás obtener un sonido de batería excepcional que complementará tu música de manera inigualable. ¡Que ruede el ritmo!



En PLAY SEVILLA tenemos cursos de composición musical, donde te enseñamos a grabar baterías acústicas, a la elección de los micrófonos, la mezcla de todos los elementos....Todo un mundo de posibilidades que se abrirán delante de ti.



PLAY SEVILLA ES MUCHO MÁS QUE UNA ESCUELA.

PLAY SEVILLA es además "ESTUDIO DE GRABACION Y PRODUCCIÓN MUSICAL". 
Aquí encontrarás todo lo necesario para llevar a la realidad tus ideas musicales. 

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"Tu" letra y música : Antonio Villalba
Producido íntegramente en PLAY STUDIO



¿Cómo hacer una buena canción?

Aunque para algunos genios, hacer una buena canción es muy facil, para el resto de los mortales es un proceso lento y complicado que en el 90% de las veces lleva a fracaso. Pero ese primer fracaso te hará aprender y a saber que cosas hiciste mal al principio, que cosas no debes repetir y que cosas si.
Hacer una buena canción es un proceso creativo que puede variar según el estilo musical y tus propias preferencias artísticas, pero aquí te presento algunos pasos generales que te pueden ayudar a crear una canción memorable:

  1. Inspírate:
    • Encuentra una fuente de inspiración. Puede ser una experiencia personal, una emoción fuerte, una historia que quieras contar o simplemente una idea que te apasione.
  2. Letra:
    • Escribe la letra de la canción. Concéntrate en contar una historia o expresar una emoción. Usa metáforas y simbolismo si es necesario para transmitir tus sentimientos.
  3. Estructura:
    • La mayoría de las canciones pop siguen una estructura básica: verso, estribillo, verso, estribillo, puente, estribillo. Aunque esto no es una regla fija, puede ayudarte a empezar.
  4. Melodía:
    • Crea una melodía que encaje con la letra. Puedes empezar tocando acordes en un instrumento o usando software de producción musical.
  5. Ritmo y Tempo:
    • Decide el ritmo y tempo de la canción. Esto afectará la sensación general de la canción.
  6. Armonía:
    • Añade acordes y progresiones armónicas que complementen la melodía. Esto puede dar profundidad y emoción a la canción.
  7. Instrumentación y Arreglos:
    • Decide qué instrumentos utilizarás y cómo se combinarán. Experimenta con diferentes sonidos y texturas para encontrar lo que mejor se adapte a la canción.
  8. Grabación y Producción:
    • Graba las partes vocales e instrumentales. Asegúrate de que la calidad de grabación sea alta. La producción también puede añadir capas y efectos a la canción.
  9. Edición y Mezcla:
    • Edita las pistas para asegurarte de que todo esté en sintonía. Luego, mezcla las pistas para equilibrar los niveles de sonido y darle profundidad a la canción.
  10. Masterización:
    • La masterización es el último paso y se encarga de optimizar la calidad de audio de la canción para su distribución.
  11. Prueba y Feedback:
    • Escucha la canción y pide opiniones a personas de confianza. A menudo, obtener retroalimentación es crucial para mejorar la canción.
  12. Publicación y Promoción:
    • Una vez que estés satisfecho con la canción, decide cómo la vas a distribuir. Puedes subirla a plataformas de streaming, compartirla en redes sociales y promocionarla de diversas formas.

Recuerda que la creatividad es fundamental en la música, así que no tengas miedo de experimentar y probar cosas nuevas. También, ten en cuenta que la práctica y la persistencia son esenciales para perfeccionar tus habilidades de composición. ¡Buena suerte en tu proceso de creación musical!


En PLAY SEVILLA tenemos cursos de composición musical, donde te orientaremos sobre como llegar a ser ese compositor de éxito que tanto deseas ser.



¿BATERÍA ACÚSTICA O ELECTRÓNICA? 

¿Cuál es mejor para aprender?



La elección entre una batería acústica y una batería electrónica es un dilema común para quienes desean aprender a tocar este emocionante instrumento. Ambos tipos de baterías tienen sus propias ventajas, y en este artículo, exploraremos cinco beneficios de aprender a tocar una batería acústica en comparación con una electrónica.

1. Sensación Táctil y Respuesta Orgánica:Una de las ventajas más notables de una batería acústica es la sensación táctil y la respuesta orgánica que ofrece. Al golpear los tambores y platillos, los bateristas experimentan la vibración, la resonancia y la retroalimentación física que no se puede replicar completamente en una batería electrónica. Esta respuesta táctil contribuye a desarrollar una mayor conexión con el instrumento y un sentido de control más intuitivo.

2. Sonido Auténtico:Las baterías acústicas producen un sonido auténtico y natural que es apreciado por su riqueza tonal. Cada componente de la batería tiene su propio carácter sonoro único, desde el golpe profundo del bombo hasta el brillo de los platillos. Tocar una batería acústica permite a los músicos experimentar la gama completa de matices y colores sonoros que ofrece este instrumento.

3. Desarrollo de la Técnica y la Resistencia:Aprender a tocar una batería acústica implica el desarrollo de la técnica de golpeo y la resistencia física. La acción física requerida para tocar una batería acústica, incluyendo el control de la dinámica y el trabajo de las extremidades, puede ayudar a fortalecer la coordinación y la musculatura. Esto resulta beneficioso tanto para principiantes como para bateristas experimentados. Cosa que no ocurre con una batería eléctronica, lo que hará que te despreocupes de tratar de "tocar bien", ya que aun tocando con dinámicas descontroladas, la batería electrónica siempre sacará buen sonido.

4. Aplicación en la Música en Vivo:La batería acústica es la elección preferida en la música en vivo, especialmente en géneros como el rock, el jazz y el blues. Aprender a tocar una batería acústica te prepara para tocar en conciertos y actuaciones en directo, lo que es una experiencia invaluable para muchos músicos. Además, contribuye a desarrollar la habilidad de adaptarse a diferentes configuraciones y espacios.

5. Tradición y Estilo Visual:La batería acústica tiene una fuerte tradición y una presencia visual impactante en el escenario. La espectacularidad de ver a un baterista en acción en una batería acústica es una parte integral de la experiencia musical en muchos géneros. Además, los bateristas pueden personalizar sus kits de batería con una variedad de tambores y platillos para expresar su estilo único.Si bien la elección entre una batería acústica y electrónica depende en última instancia de tus preferencias personales y objetivos musicales, la batería acústica ofrece una experiencia auténtica y rica en matices. 
Aprender a tocar una batería acústica puede ser un viaje emocionante para aquellos que valoran la conexión física con el instrumento y buscan una experiencia musical más tradicional y visualmente impactante.

En definitiva, si eres principiante y quieres aprender a tocar la batería correctamente, debes plantearte comprar una batería acústica. Los alumnos que aprenden con una electrónica suelen carecer de la técnica apropiada para tocar una batería acústica.

En PLAY SEVILLA disponemos de dos baterías acústicas de calidad para que puedas disfrutar de este divertido instrumento.

¿Qué modelo de guitarra eléctrica se adapta más a tu estilo? 

¡¡En PLAY SEVILLA los tenemos todos!


La guitarra eléctrica es un instrumento icónico que ha dado forma a la música moderna en una variedad de géneros. A lo largo de los años, se han desarrollado numerosos modelos de guitarras eléctricas, cada uno con su propio sonido característico y estilo. En este artículo, exploraremos algunos de los modelos principales de guitarras eléctricas que han dejado huella en la música y la cultura popular.


1. Fender Stratocaster:

La Fender Stratocaster es una de las guitarras eléctricas más reconocibles y populares del mundo. Introducida en 1954, se caracteriza por su cuerpo de doble cutaway, tres pastillas de bobina simple y un vibrato tipo trémolo. La Stratocaster ha sido elogiada por su versatilidad y se ha utilizado en una amplia gama de géneros, desde el rock hasta el blues y el pop. Iconos de la música como Jimi Hendrix y Eric Clapton han tocado Stratocasters, contribuyendo a su estatus legendario.


2. Gibson Les Paul:

La Gibson Les Paul es otra guitarra icónica que ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. Diseñada en colaboración con el guitarrista Les Paul y lanzada en 1952, esta guitarra se caracteriza por su cuerpo sólido y pastillas de doble bobina. Ofrece un sonido grueso y potente, que se ha convertido en un estándar en el rock y el hard rock. Músicos como Jimmy Page de Led Zeppelin y Slash de Guns N' Roses son conocidos por su uso de las Gibson Les Paul.


3. Fender Telecaster:

La Fender Telecaster, también conocida como "Tele", es otra creación icónica de Leo Fender. Introducida en 1950, se destaca por su diseño de cuerpo sólido y una sola pastilla en el puente. La Telecaster es apreciada por su sonido brillante y nítido, que ha sido fundamental en géneros como el country y el rock. Bruce Springsteen y Keith Richards son dos ejemplos de músicos que han adoptado la Telecaster como su guitarra principal.


4. Gibson SG:

La Gibson SG es una guitarra eléctrica de cuerpo sólido que ha ganado popularidad en el mundo del rock. Fue introducida en 1961 como una variante de la Les Paul y se caracteriza por su diseño de cuerpo de doble cutaway y sonido agresivo. Músicos como Angus Young de AC/DC y Tony Iommi de Black Sabbath han contribuido a la reputación de la SG como una guitarra emblemática del rock pesado.


5. Ibanez RG:

La Ibanez RG es un modelo popular entre los guitarristas de rock y metal. Se destaca por su diseño de cuerpo delgado y cómodo, así como por su facilidad para tocar solos veloces. La RG se ha convertido en la elección de muchos virtuosos de la guitarra. Steve Vai y Joe Satriani son dos de los músicos notables que han utilizado guitarras Ibanez RG en sus actuaciones.



En PLAY SEVILLA tenemos todos esos modelos, ¿Quieres venir a tocarlas?

Cómo aprender a tocar la batería y no morir en el intento

Aprender a tocar la batería puede ser una experiencia emocionante y gratificante, pero también desafiante. La batería es un instrumento versátil que forma parte fundamental de muchas bandas y géneros musicales. Aquí te presentamos cinco puntos clave para tener éxito en tu aprendizaje de la batería.

1. Establece una Fundación Sólida de Técnica Básica: Antes de aventurarte en patrones complejos y ritmos intrincados, es esencial establecer una base sólida en la técnica de batería básica. Esto incluye aprender a golpear los tambores y los platillos correctamente, trabajar en el control de las baquetas, y desarrollar una buena coordinación entre manos y pies. Invertir tiempo en dominar estos fundamentos te ayudará a tocar con precisión y fluidez en el futuro.

2. Practica con Metrónomo: El metrónomo es una herramienta invaluable para cualquier baterista. Te ayuda a mantener un tempo constante y a desarrollar un sentido del ritmo preciso. Comienza practicando ritmos simples a velocidades cómodas y luego aumenta gradualmente la velocidad a medida que te sientas más cómodo. La práctica constante con metrónomo te ayudará a mantener un tiempo sólido y a tocar con otros músicos de manera efectiva.

3. Estudia Diversos Estilos Musicales: La batería es un instrumento versátil que se utiliza en una variedad de géneros musicales, desde el rock hasta el jazz y la música latina. Explorar diferentes estilos musicales ampliará tu horizonte como baterista. Dedica tiempo a estudiar los patrones de batería característicos de cada género y trabaja en adaptarte a sus particularidades. Esto te convertirá en un baterista versátil y demandado.

4. Aprende a Escuchar: La capacidad de escuchar es fundamental para un baterista. Debes estar atento al contexto musical en el que te encuentras y adaptar tu juego en consecuencia. Escuchar a otros músicos en la banda te ayudará a mantener la cohesión y a crear un sonido armonioso. Presta atención a la dinámica, los cambios de tempo y las señales de los otros músicos para tocar en sincronía.

5. Mantén la Motivación y la Disciplina:Aprender a tocar la batería puede ser desafiante en ocasiones, pero la motivación y la disciplina son clave para superar esos momentos difíciles. Establece metas claras y alcanzables a corto y largo plazo para mantenerte enfocado en tu progreso. La práctica regular es esencial, así que crea un horario de práctica que se ajuste a tu vida diaria y respétalo. La perseverancia te llevará a lograr tus objetivos musicales.

En conclusión, aprender a tocar la batería es una aventura musical emocionante. Establecer una base sólida de técnica, practicar con un metrónomo, explorar diferentes estilos, aprender a escuchar y mantener la motivación y la disciplina son claves para tener éxito en este viaje musical. Con dedicación y pasión, puedes convertirte en un baterista habilidoso y disfrutar de la emoción de hacer música con este fascinante instrumento.




El Método Suzuki de Piano: 

Nutriendo el Talento Musical a través de la Educación

El Método Suzuki, desarrollado por el violinista japonés Shinichi Suzuki, ha ganado renombre mundial por su enfoque innovador en la enseñanza de música, especialmente en el piano. Este enfoque único se centra en la creencia de que todos los niños pueden aprender música de la misma manera que aprenden su lengua materna: a través de la inmersión y la práctica constante. A continuación, presentamos seis puntos clave sobre el Método Suzuki de Piano.


1. Aprendizaje a través de la audición: El Método Suzuki comienza con la audición. Los estudiantes son expuestos a la música que se toca en el piano desde una edad temprana. Al igual que los niños aprenden a hablar escuchando a sus padres y cuidadores, los estudiantes de Suzuki aprenden a tocar el piano escuchando grabaciones de las piezas que van a aprender. Esta inmersión auditiva les permite familiarizarse con el sonido y la expresión musical.


2. Repetición y memorización: Una característica distintiva del Método Suzuki es la repetición constante. Los estudiantes practican una pieza hasta que la pueden tocar de memoria. Esta repetición ayuda a desarrollar la memoria muscular y la fluidez técnica. Se cree que esta repetición contribuye a una base sólida en la que los estudiantes pueden construir habilidades musicales más avanzadas.


3. El papel de los padres: Los padres desempeñan un papel fundamental en el Método Suzuki. Actúan como "entrenadores en casa" y participan activamente en las lecciones y prácticas de sus hijos. Esto fortalece el vínculo entre el niño y el padre, así como el compromiso del niño con la música. Los padres también pueden aprender junto con sus hijos, lo que crea una experiencia musical enriquecedora para toda la familia.


4. Lecciones en grupo: Las lecciones individuales se complementan con lecciones en grupo, donde los estudiantes tienen la oportunidad de tocar música en conjunto. Esto fomenta la socialización, la escucha activa y el trabajo en equipo. Los estudiantes aprenden a escuchar y ajustar su juego en función de lo que están escuchando en el grupo, lo que desarrolla habilidades de colaboración musical.


5. Gradación de las piezas musicales: El repertorio Suzuki se organiza en una secuencia progresiva, desde piezas simples hasta obras más complejas. Esto permite a los estudiantes avanzar gradualmente y construir sobre las habilidades previamente adquiridas. Cada pieza introduce nuevos desafíos técnicos y musicales.


6. Fomento del amor por la música: El objetivo final del Método Suzuki no es solo desarrollar habilidades técnicas, sino también fomentar el amor por la música. Los estudiantes aprenden a tocar con expresión y emoción desde el principio, lo que les permite conectarse con la música de una manera profunda y significativa.

En resumen, el Método Suzuki de Piano es un enfoque pedagógico que se basa en la idea de que todos los niños pueden aprender música si se les brinda el ambiente adecuado y la oportunidad de practicar y escuchar música constantemente. A través de la repetición, la inmersión auditiva y la participación activa de los padres, este método ha demostrado ser efectivo para nutrir el talento musical y el amor por la música en los jóvenes pianistas.





La Metodología Musical de Kodály: 

Educación Musical a través de la Experiencia y la Creatividad

La educación musical desempeña un papel crucial en el desarrollo de habilidades cognitivas, emocionales y sociales en los niños. Uno de los enfoques más influyentes y efectivos en este campo es la metodología musical de Kodály, desarrollada por el músico y pedagogo húngaro Zoltán Kodály a principios del siglo XX. Esta metodología se ha convertido en un modelo de enseñanza musical utilizado en todo el mundo, valorado por su enfoque en la experiencia musical y la creatividad del estudiante. En este artículo, exploraremos los fundamentos y las características clave de la metodología musical de Kodály.Los Fundamentos de la Metodología Kodály

  1. La música como lenguaje: Uno de los conceptos centrales de la metodología de Kodály es que la música es un lenguaje universal y, por lo tanto, debe ser enseñada de manera similar a como se enseña el lenguaje oral. Los niños tienen la capacidad de aprender música de manera natural, al igual que aprenden su lengua materna, a través de la exposición y la participación activa.
  2. Sílabas rítmicas y melódicas: Kodály introdujo un sistema de sílabas para ayudar a los estudiantes a comprender la estructura rítmica y melódica de la música. Por ejemplo, en lugar de utilizar nombres de notas, se utilizan sílabas como "ta" para las notas largas y "ti-ti" para las notas cortas en la lectura rítmica.
  3. Secuencia ascendente: La metodología Kodály se basa en una secuencia ascendente de aprendizaje musical, comenzando con ejercicios y canciones simples y progresando gradualmente hacia obras más complejas. Esto asegura que los estudiantes desarrollen una base sólida antes de avanzar a conceptos más avanzados.

Características Clave de la Metodología Kodály

  1. Canto: El canto es el pilar de la metodología Kodály. Los estudiantes participan activamente en el canto de canciones, melodías y ejercicios desde una edad temprana. Esto desarrolla su capacidad auditiva, mejora la afinación y les permite internalizar la música de manera orgánica.
  2. Entrenamiento auditivo: La audición activa y el reconocimiento auditivo son aspectos esenciales de la metodología. Los estudiantes aprenden a escuchar y discernir patrones melódicos y rítmicos, lo que mejora su comprensión musical y su capacidad de interpretar música de manera expresiva.
  3. Incorporación del movimiento: Kodály creía en la importancia del movimiento en la educación musical. Los estudiantes no solo escuchan y cantan, sino que también participan en actividades que involucran movimiento corporal, lo que fortalece su conexión con la música y su sentido del ritmo.
  4. Repertorio de calidad: La metodología Kodály enfatiza el uso de un repertorio de calidad que incluye música folklórica y clásica. Los estudiantes se exponen a una amplia gama de estilos y géneros musicales, lo que enriquece su comprensión y aprecio por la música.
  5. Creatividad: A medida que los estudiantes adquieren habilidades musicales sólidas, se les alienta a componer, improvisar y crear su propia música. Esto fomenta la creatividad y la expresión personal a través de la música.


En Play Sevilla hemos cogido gran parte de esta filosofía y la aplicamos diariamente en nuestras clases, obteniendo unos resultados mucho más satisfactorios que usando modelos de enseñanza más clásicos.





Los Poderes Transformadores de la Música: Cinco Razones para Celebrar su Influencia

La música es un lenguaje universal que trasciende fronteras y culturas. A lo largo de la historia, la música ha demostrado tener un impacto profundo en nuestras emociones, pensamientos y experiencias. A continuación, exploramos cinco poderes de la música que la hacen una fuerza inspiradora y transformadora en nuestras vidas.

1. La Música como Terapia Emocional

La música tiene el poder de conectarse con nuestras emociones de una manera única. Puede evocar sentimientos de alegría, tristeza, empatía, o incluso euforia. La terapia musical se ha convertido en una disciplina reconocida que utiliza la música como herramienta para ayudar a las personas a expresar sus emociones, aliviar el estrés y superar traumas. Ya sea a través de la escucha activa o la creación de música, la música puede ser una poderosa aliada en la gestión de nuestras emociones.

2. Inspiración y Creatividad

La música es una fuente inagotable de inspiración. Muchos artistas, escritores y creadores encuentran en la música la chispa que enciende su creatividad. Las melodías, letras y ritmos pueden transportarnos a mundos imaginarios, despertar nuestra inventiva y ayudarnos a abordar desafíos de manera innovadora. La música es el acompañamiento perfecto para momentos de reflexión, escritura, o cualquier actividad que requiera inspiración.

3. Sanación y Bienestar Físico

La música no solo tiene un impacto en nuestras emociones, sino también en nuestro bienestar físico. La música calmante puede reducir la presión arterial y disminuir el ritmo cardíaco, lo que puede ser beneficioso para la salud cardiovascular. Además, la práctica de tocar un instrumento musical puede mejorar la coordinación motora, fortalecer las habilidades cognitivas y proporcionar una sensación de logro y autoestima.

4. Conexión Cultural y Social

La música es un poderoso agente de conexión entre personas y culturas. A través de la música, podemos aprender sobre la historia, la tradición y las experiencias de otras comunidades. Los festivales de música, los conciertos y las jam sessions son lugares donde las personas se unen a través de la música, creando vínculos y fortaleciendo las relaciones sociales. La música también puede ser un vehículo para abordar temas sociales y promover la conciencia y la unidad.

5. Recuerdos y Marcadores de Tiempo

La música tiene la extraordinaria capacidad de anclar recuerdos a momentos específicos en nuestras vidas. Una canción puede transportarnos instantáneamente a un momento, un lugar o una experiencia pasada. Escuchar una canción que solíamos disfrutar en nuestra juventud puede evocar una profunda nostalgia y revivir viejas memorias. La música se convierte así en un marcador de tiempo que enriquece nuestra narrativa personal.

En resumen, la música es una fuerza poderosa que influye en todos los aspectos de nuestras vidas. Desde la terapia emocional hasta la inspiración creativa, la música nos toca a nivel profundo y nos conecta con nuestra humanidad compartida. Celebrar y apreciar estos poderes transformadores de la música puede enriquecer nuestra existencia y enriquecer nuestras vidas de innumerables maneras.


 El Theremin: La Magia de la Música sin Contacto Físico.

La historia de la música está repleta de innovaciones y avances tecnológicos que han transformado la forma en que producimos y experimentamos sonidos. Uno de los instrumentos más intrigantes y misteriosos jamás creados es el Theremin. Este instrumento musical electrónico, inventado por el músico e inventor ruso Léon Theremin a principios del siglo XX, desafía las convenciones musicales al permitir a los intérpretes producir música sin necesidad de tocar ningún objeto físico. En este artículo, exploraremos la fascinante historia y funcionamiento del Theremin, así como su impacto en la música y la cultura.

Un Instrumento fuera de lo común

El Theremin es único en muchos aspectos, comenzando por su diseño. Consiste en una caja con dos antenas: una vertical que controla la altura del tono y otra horizontal que controla el volumen. Lo que hace especial al Theremin es que los intérpretes no tocan ninguna superficie ni utilizan ninguna interfaz física para producir sonidos. En cambio, mueven sus manos en el espacio, cerca de las antenas, y la posición de las manos en relación con las antenas determina el tono y el volumen del sonido generado.

La Magia detrás del Theremin

El funcionamiento interno del Theremin es tan intrigante como su aspecto. El instrumento utiliza dos osciladores electrónicos, uno para crear una señal de referencia y otro para generar la señal de audio. La mano izquierda del intérprete controla la antena vertical y, al acercarse o alejarse de ella, modifica la capacidad de la misma, afectando la frecuencia del oscilador de referencia. Esto produce un cambio en la altura del tono, permitiendo que el intérprete controle la melodía.

Por otro lado, la antena horizontal, controlada por la mano derecha, altera la capacidad de la antena y, por ende, la amplitud de la señal del oscilador de audio. Esto controla el volumen del sonido producido. La combinación de estos dos movimientos permite a los músicos crear una amplia gama de sonidos, desde tonos suaves y etéreos hasta notas agudas y estridentes.

El Impacto del Theremin en la Música y la Cultura

El Theremin fue un hito en la historia de la música electrónica y experimental. Apareció por primera vez en la década de 1920 y se popularizó en la música clásica y en la banda sonora de películas de ciencia ficción, donde su sonido inusualmente etéreo a menudo se asociaba con lo desconocido y lo extraterrestre. Uno de los músicos más influyentes que utilizó el Theremin fue Clara Rockmore, una virtuosa del instrumento que demostró su versatilidad y expresividad.

El instrumento también influyó en la música pop y rock. Grupos como The Beach Boys y Led Zeppelin incorporaron el Theremin en algunas de sus canciones, añadiendo una dimensión única a su música. Además, su singularidad lo convirtió en una pieza codiciada por coleccionistas y entusiastas de la música electrónica y experimental.

El Legado Continúa

A pesar de su aparente complejidad y rareza, el Theremin sigue siendo relevante en la música actual. Los músicos contemporáneos, tanto en el ámbito de la música experimental como en otros géneros, continúan explorando las posibilidades de este instrumento. Además, la tecnología moderna ha permitido la creación de Theremins digitales y aplicaciones para dispositivos móviles que facilitan su acceso y uso.

En resumen, el Theremin es un instrumento musical verdaderamente mágico que ha cautivado a músicos y oyentes durante casi un siglo. Su capacidad para crear música sin contacto físico lo convierte en una rareza única en el mundo de la música y un recordatorio de que la creatividad humana puede trascender las limitaciones convencionales. Así que la próxima vez que escuches un sonido misterioso y etéreo en una película de ciencia ficción o en una canción de rock clásico, es posible que estés experimentando la magia del Theremin.


En Play Sevilla tenemos un Theremin Moog y está disponible para todos los alumnos que quieran probar a tocarlo o no tocarlo, según se diga.

FUNCIÓN DE "FIN DE CURSO" PLAY SEVILLA

El pasado 2 de Junio, Play Sevilla, organizó un super concierto en riguroso directo, en el que participaron casi todos los alumnos de PLAY. Más de 100 personas llenaron "la sala" y pudimos disfrutar del enorme talento de los niños y no tan niños que se subieron al escenario a demostrar sus dotes musicales. Fue un día muy especial que todos recordaremos. 

¡Qué viva la música VIVA!

REGLAS BÁSICAS PARA TOCAR EN UN GRUPO

Aunque parezca mentira, hay ciertas normas que hay que aceptar cuando estás tocando en un grupo, estas son algunas de ellas muy importantes!!

1ª- Tocar todos la misma canción.

2ª- Afina siempre tu instrumento antes de tocar. Así podrás desafinar toda la noche con la conciencia tranquila.

3ª-Si una vez empezado el tema cada uno decide ir por su lado, es de consideración quedar al menos en el estribillo.

4ª- Si todos van mal salvo tú, sigue a los que van mal.

5ª- Si un pasaje es difícil, toca más despacio. Si un pasaje es fácil, acelera. Todo se compensará al final.

6ª- Cuando todos hayan acabado de tocar, no debes tocar las notas que te queden.

7ª- En caso de duda, no seas el primero en empezar ni el último en terminar.

8ª-ensayar muchas veces un pasaje que no funciona, solo sirve para reafirmar el error.

9ª-En directo, nunca mires inmediatamente a quien cometa un error (incluido tu mismo) solo conseguirás ponerle mas nervioso y que se dé cuenta el 95% del público que, ni se había enterado.

10ª-Una nota equivocada tocada con timidez es una nota equivocada. Una nota equivocada tocada con autoridad es una interpretación.

11ª-El primero que llegue al solo, que lo haga.

12ª-Si algo no te sale bien, ensáyalo fuera del horario de ensayo del grupo. Al ensayo hay que ir ensayado.

13ª-Intenta conseguir el máximo de notas por segundo. Ganarás así la consideración de los que no tienen ni pajolera idea.

14ª-Si estás cantando y se te olvida la letra, sigue moviendo los labios y toquetea el cable del micrófono.

15ª-Ensayar es de cobardes.

16ª-Si alguien te recrimina que diste alguna nota errónea, excúsate aludiendo a su nulo entendimiento del jazz.

17ª-Si estás en un estudio de grabación y vas a contarle a alguien algo confidencial, nunca lo hagas en la sala de grabación, es ese sitio que siempre está lleno de micrófonos.

18ª-En contra de lo que piensa la inmensa mayoría de los músicos, los comentarios, diálogos, etc, que tienen lugar en el local de ensayo, no necesitan acompañamiento instrumental alguno.

19ª-Cuando toquéis en una sala y el dueño de ésta os diga que vais a tocar sincopas, no se refiere a que empleéis la estrategia compositiva destinada a romper la regularidad del ritmo, por medio de la acentuación de una nota en un lugar débil o semifuerte de un compás.

 EL PIANO DIGITAL FENDER RHODES. HISTORIA DE LA MÚSICA

El piano Fender Rhodes es un instrumento de teclado electrónico que fue muy popular en la década de 1970. Fue diseñado y fabricado por Harold Rhodes y fue vendido originalmente por la empresa Fender.

El piano Fender Rhodes tiene una serie de teclas similares a las de un piano acústico, pero los martillos en lugar de golpear las cuerdas, golpean unas varillas metálicas que generan el sonido igual que lo haría un xilofón o vibráfono. Unos pequeños electroimanes (parecidos a las pastillas de las guitarras eléctricas) recogen la vibración de las varillas y las convierten en electricidad. 

El piano Fender Rhodes es conocido por su sonido distintivo y suave, que se ha utilizado en muchos géneros de música, incluyendo jazz, soul, funk y rock. Es muy versátil y puede ser utilizado tanto para tocar música de forma tradicional como para crear sonidos de sintetizador y efectos de modulación.

Aunque el piano Fender Rhodes ya no se fabrica, todavía es muy apreciado por los músicos y sigue siendo una opción popular para aquellos que buscan un sonido único y distintivo.
En nuestra escuela de música PLAY SEVILLA tenemos también un piano Fender Rhodes Eighty-eight. Está disponible para todos nuestros alumnos y clientes del estudio. ¿quieres venir a tocarlo? ¡pulsa el botón e infórmate cómo!
Aquí tienes un video para escuchar como suena nuestro magnífico piano Fender Rhodes

 GUITARRA CASIO DG-1 LA PRIMERA GUITARRA DIGITAL.

La DG-1 Guitar fue la primera guitarra digital que salió al mercado allá por los años 80 con un precio asequible al público medio.  Aunque ahora nos parezca casi un juguete, por aquellos años, esta guitarra fue toda una revolución. Por primera vez podiamos reproducir sonidos de sintetizador con una guitarra eléctrica. Por esos mismos años ya existían las guitarras MIDI , pero estas aun tenían una latencia que evitaba tocar notas rápidas. 

Una guitarra MIDI es un tipo de guitarra eléctrica que se conecta a un ordenador o a otro dispositivo MIDI (Musical Instrument Digital Interface) a través de un cable MIDI o de una conexión inalámbrica. Al tocar la guitarra MIDI, puedes enviar señales MIDI a un software de música en el ordenador para producir sonidos de sintetizador, samples o cualquier otro tipo de sonido digital.

Una guitarra MIDI tiene sensores o captadores  que detectan el movimiento de las cuerdas y envían señales MIDI al ordenador. Esto permite a los músicos utilizar la guitarra MIDI como una interfaz de control para crear música electrónica y otros sonidos digitales.

La ventaja de usar una guitarra MIDI es que puedes utilizarla para crear una amplia variedad de sonidos sin tener que cambiar de instrumento o utilizar un teclado o controlador MIDI. Además, muchas guitarras MIDI tienen una apariencia y una sensación similares a las guitarras eléctricas tradicionales, lo que las hace fáciles de tocar para los músicos que ya están familiarizados con ellas.
En este video puedes ver la Guitarra Casio DG-1 que tenemos en PLAY SEVILLA ¿Quieres venir a probarla? ¡pulsa el botón y entérate como!

 CONSIDERACIONES A TENER EN CUENTA ANTES DE COMPRAR NUESTRO PRIMER INSTRUMENTO MUSICAL

Antes de comprar tu primer instrumento musical, hay algunas cosas que debes tener en cuenta:

  1. ¿Cuál es tu nivel de habilidad y compromiso? Algunos instrumentos requieren más tiempo y esfuerzo para dominar que otros, así que es importante tener en cuenta tu nivel de habilidad y si estás dispuesto a dedicar el tiempo necesario para aprender a tocar. Si eres principiante, no es aconsejable invertir mucho dinero en tu primer instrumento, y ya un poco más adelante, cuando consigas más destreza, querrás adquirir uno mejor. 
  2. ¿Cuál es tu presupuesto? Los instrumentos musicales pueden ser bastante costosos, así que es importante saber tu presupuesto al elegir uno. A veces puedes encontrar buenos instrumentos de segunda mano a precios más asequibles. Por suerte hoy día y gracias a los avances en la construcción de instrumentos musicales, se pueden conseguir instrumentos de buena calidad a buen precio.
  3. ¿Qué tipo de música te gusta tocar? Algunos instrumentos se utilizan más en ciertos géneros de música que en otros, así que es importante tener en cuenta tus intereses musicales al elegir un instrumento.
  4. ¿Cuál es el tamaño y el peso del instrumento? Si eres un principiante, es posible que no quieras un instrumento muy grande o pesado, ya que puede ser más difícil de manejar.
  5. ¿Cuál es el sonido que quieres producir? Cada instrumento tiene su propio sonido característico, así que es importante que sepas o entiendas cual es el tipo de sonido que quieres producir al elegir un instrumento. Por ejemplo en las guitarras eléctricas, los modelos Les Paul son más utilizados en el Blues y los modelos stratocaster en el Pop. Aunque hay guitarristas que ya no siguen esta norma no escrita.
  6. ¿Necesitas accesorios adicionales? Algunos instrumentos necesitan accesorios adicionales para funcionar, como cuerdas de repuesto o baquetas para la batería. Asegúrate de tener en cuenta estos costos adicionales al presupuestar la compra de tu instrumento.




 5 ERRORES QUE COMETEMOS AL APRENDER A TOCAR UN INSTRUMENTO

Aprender a tocar un instrumento musical puede ser muy beneficioso para nuestra salud mental, pero también puede ser una angustia constante si cometemos estos errores.

  1. Tener prisa: Nadie nace caminando ni nadie nace hablando, el aprendizaje de todo, queramos o no queramos, es un proceso lento. Tratar de aprender a tocar un instrumento queriendo saltarte las cosas más importantes o más costosas de aprender es un error de lo más común. Esto únicamente hará que te desmotives, pues tratarás de hacer cosas con tu instrumento que no eres capaz de hacer aun.
  2. No practicar: Todo en la vida requiere de práctica y tocar un instrumento no va a ser una excepción, sino todo lo contrario. Al igual que un futbolista debe ensayar y entrenar diariamente los tiros de falta, los pases o el control del balón, un músico debe entrenar diariamente con su instrumento, solamente así se mejora cada día.
  3. Pensar que ya sabes tocar: Aunque parezca mentira,  el mundo está lleno de músicos que creen que ya tocan lo suficientemente bien su instrumento y que por lo tanto ya no necesitan aprender más.  El aprendizaje es infinito, siempre hay una manera mejor de hacer las cosas, siempre puedes aprender un acorde más bonito o una melodía que te sorprenda. 
  4. Tener miedo al error: El que tiene boca se equivoca, o el que falla el penalty es el que lo tira. En la música ocurre lo mismo, si no lo intentas, no sabrás si puedes hacerlo o no.  Arriésgate siempre a buscar nuevos sonidos, nuevas composiciones, nuevas maneras de componer, nuevos ritmos...La música es algo vivo que progresa paralela a la vida del ser humano.
  5. Tener miedo a mostrar tu talento: La música está hecha para ser compartida, de nada sirve encerrarse en el dormitorio a tocar sin que nadie más te pueda escuchar. No solo porque así no podrás recibir el agrado del reconocimiento, sino que además no te darás cuenta de si lo que haces está bien o mal. Comparte tu música con tu circulo de amigos y familia, ya sean músicos o no. ¡Qué la vergüenza no sea tu obstáculo!



LOS BENEFICIOS DE APRENDER MÚSICA EN LOS NIÑOS

La música puede tener muchos beneficios para los niños. Algunos de ellos incluyen:

  1. Desarrollo del cerebro: La música puede ayudar a desarrollar el cerebro de los niños de muchas maneras. Puede mejorar la memoria, la atención y la concentración, y puede también estimular el desarrollo de habilidades de lenguaje y de pensamiento lógico.
  2. Expresión emocional: La música puede ser una forma poderosa de expresar y comprender las emociones. Los niños pueden aprender a identificar y expresar sus propias emociones a través de la música y también pueden aprender a comprender y responder a las emociones de los demás a través de la música.
  3. Mejora del rendimiento académico: Algunos estudios han demostrado que los niños que participan en actividades musicales pueden tener mejores resultados académicos en general. La música puede mejorar la memoria y la capacidad de aprendizaje, y puede también ayudar a los niños a desarrollar habilidades de lectura y escritura.
  4. Desarrollo social y de equipo: La música puede ser una forma divertida y gratificante de trabajar en equipo con otros. Los niños que participan en actividades musicales pueden aprender a trabajar juntos, a respetar a los demás y a ser responsables de sus propias contribuciones al grupo.
  5. Confianza y autoestima: La música puede ayudar a los niños a desarrollar confianza y autoestima. Al aprender a tocar un instrumento o cantar, los niños pueden sentirse orgullosos de sus logros y sentir que tienen algo valioso que ofrecer a los demás.

En resumen, la música puede ser una forma muy beneficiosa de aprender y crecer para los niños. Si está interesado en involucrar a su hijo en actividades musicales, debería considerar inscribirlo en una escuela de música o en un grupo de música comunitario.


Un pedacito de historia

Hammond L102

Play Sevilla busca continuamente sorprender a nuestros clientes. Es por ello que andamos en la búsqueda continua de instrumentos musicales de cualquier época. Esta vez hemos conseguido comprar una joya de 1964, un órgano Hammond modelo L102 con un altavoz Leslie 760. 
Merece escuchar en directo el increíble sonido clásico de este órgano, para ello puedes venir a PLAY SEVILLA a disfrutarlo, i INFÓRMATE COMO!

Amplificador a Válvulas

Detalle del amplificador a válvulas que amplifica el sonido de las tone wheels.

Play Studio de nuevo ha colaborado con la empresa sevillana de videojuegos VIVA GAMES STUDIOS para crear la producción de la música y SFX de uno de sus juegos, en esta ocasión se trata de un juego de estrategia donde tienes que controlar los ingresos de un hospital. Aquí os dejo el enlace y espero que os guste:

https://play.google.com/store/apps/details?id=com.vivastudios.idle.hospital.tycoon.empire

SUPERCUTE LITTLE BABIES

¡Disfruta con las aventuras de la primera temporada de SuperCute Little Babies en Español! Diviértete con las pequeñas superheroínas Sisi, Kala, Gabi y Sofi y aprende con ellas cómo salvar el planeta 🌍.
Play Studio ha tenido la suerte de participar en este bonito proyecto, creando la música y los efectos de sonido.
Esta serie también podréis verla en el canal Clan TV.

Play Studio ha tenido el honor de participar en este proyecto de Unico Games, produciendo  los sonidos y la música de este juego tan divertido. Una app que disfrutarán sobre todo los más pequeños.
¿A qué esperas para descargártela? Es GRATIS


El artista "Hidabe" estuvo grabando en PLAY STUDIO las voces para su primer disco "la dignidad del 9" 

Con la producción de Joaquín Calderón, Hidabe nos trae un puñado de nuevas canciones que suenan increíbles, No os lo podéis perder.
www.Hidabe.com

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En nuestro canal de tutoriales podrás encontrar muchos videos didácticos para aprender a tocar instrumentos, teoría musical, y muchas otras cosas más. 
¡¡¡¡NO OLVIDES SUSCRIBIRTE!!!

"Emilio Villalba & CÁntica"

GRABADO EL 10 DE NOVIEMBRE EN DIRECTO POR PLAY SEVILLA EN EL TEATRO -CENTRO CULTURA DE GERENA

Bel m'es q'ieu chanté coindei. Raimon de Miraval, s.XIII.
Emilio Villalba & Cantica. Emilio VIllalba: dirección musical y sinfonía. Ángeles Núñez: canto, Sara Marina: lira.
Grabado en directo en Sevilla. Noviemnbre de 2021.

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CHARLA SOBRE LAS OPORTUNIDADES LABORALES EN EL ENTORNO DIGITAL 

El pasado 23 de noviembre tuve el honor de ser invitado a una charla que organizaba la Junta de Andalucía y patrocinaba Coca-Cola sobre las oportunidades laborales en el entorno digital.  
Pude contar mi experiencia a un gran número de alumnos que cursaban FP2 módulos de diseño 3D y programación  en este maravilloso mundo de la producción audiovisual, así como mi manera de afrontar los proyectos o crear ideas y soluciones en cada ámbito de la producción.  
Muy contento y espero haberles servido de ayuda y que estas charlas se repitan pronto.

En Play Studio hemos comenzado a doblar la 5ª temporada de "Los bebés llorones"

De nuevo contamos con las voces y las risas de Nerea, Diana, Telma, Clara y Violeta, las niñas que ponen las voces a estos graciosos bebes. 

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En Play Studio siempre estamos motivados para nuevos proyectos

Hoy comenzaremos a doblar la temporada 4 de la serie de animación "los bebes llorones". Preparados...listos....

En Play Studio seguimos trabajando para ofrecer lo mejor cada día. 

Hoy ha tocado grabar baterías para un tema donde participarán varios alumnos con sus voces e instrumentos. Muy pronto subiremos el resultado

Hay una luz

Hoy se cumplen 8 años desde que Manuel Cuesta compuso este maravilloso villancico, parece que las cosas nunca van a cambiar, pero siempre hay en este mundo una luz.
Producción musical dirigida por Emilio Villalba y Antonio Villalba

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El cantautor Manuel Cuesta estuvo ayer en Play Studio grabando un nuevo tema para su próximo disco que saldrá en 2021. 

Hacía tiempo que no nos veíamos pero la mágia siempre surge en el estudio cuando este artista coge la guitarra. El tema ha quedado impresionante y dentro de poco podréis escucharlo.
Ha grabado voz y  guitarra para un maravilloso poema de María Guivernau titulado “Ojos de Mar”.

Play Studio produce la música y los SFX de SUPER CUTES, una divertidísima serie de animación dedicada a los más pequeños.

La serie consta de 12 episodios en su primera temporada y narra las aventuras de un grupo de bebes muy concienciados con los problemas de los animales y el medio ambiente.
Os recomendamos que la sigáis en youtube.

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En Play Studio hemos terminado de doblar los 36 capítulos de la serie animada "Los bebés llorones"

A sido un largo año de doblaje y nos lo hemos pasado en grande compartiendo risas con Nerea, Diana, Lucía, Clara, Enma y Violeta, las niñas que ponen las voces a estos graciosos bebes. Estamos deseando comenzar la 4ª temporada. No os la perdáis

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De golpe - Juana Gaitán Cuarteto | Sesión en vivo

En Play Studio tuvimos la suerte de conocer a Juana Gaitán, una joven promesa de la canción de autor. Junto a su banda grabaron en directo este hermoso tema que habla de las sensaciones después de una ruptura amorosa.

Juana Gaitán cuarteto lo forman:
Bernardo Parrilla: Flauta Travesera 
Daniel Abad: Contrabajo 
Pablo Carmona Di Bonno: Percusión 
Juana Gaitán: Guitarra, Voz y Composición 

Vídeo: Ramón García 'La Polakoteka'

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